Grand, grosses épaulettes et gros– les années 1980 sont une décennie facile à caricaturer. Mais les meilleurs albums des années 80 vont au-delà de tous ces clichés faciles sur Thatcher et Reagan et la culture yuppie brillante. Oui, c’était une décennie où les sons des boîtes à rythmes et des synthétiseurs étaient repulpés et préparés à la perfection en studio. Et oui, beaucoup de ces choix de production semblent hilarants aujourd’hui.

Mais le brillant des années 80 est très fin. Choisissez-le et vous découvrirez en dessous une époque musicale beaucoup plus sombre, diversifiée et intéressante. Aux côtés de superstars commeet Michael Jackson au pouvoir sur MTV, politiquement accusédes groupes comme Public Enemy et NWA faisaient irruption dans le courant dominant. Des genres comme la techno et le post-punk prenaient de l'ampleur. Il se passait beaucoup de choses – et voici les 20 meilleurs albums des années 80 qui le prouvent.

Guns N'Roses –Appétit pour la destruction(1987)

Nous considérons désormais Guns N' Roses comme un simple groupe du patrimoine parmi d'autres qui parcourent les arènes du monde entier, ou comme un symbole de l'excès du rock grâce à leur budget serré.Utilisez votre illusionalbums. Mais au début, ils étaient maigres et méchants.Appétit pour la destruction, leur premier album tranchant comme un rasoir, fait suite à des années pendant lesquelles les différents membres du groupe perfectionnent leurs talents à Los Angelesclubs – et cela se voit. Les succès crossover comme « Sweet Child o' Mine » et « Paradise City » attirent beaucoup d'attention, mais des chansons comme « Mr Brownstone » et « Nighttrain » montrent qu'ils ont aussi eu des riffs et des grooves pendant des jours. Nulle part ailleurs l’interaction entre le gémissement imbibé de whisky d’Axl Rose et la guitare solo liquide de Slash n’est aussi immédiate qu’ici.

Tom attend –Trombones d'espadon(1983)

Au début des années 80, Tom Waits était un auteur-compositeur-interprète bien établi avec un penchant pour tourner sa plume vers les recoins les plus sordides de la vie américaine. Mais tout traditionalisme musical a été brisé avecTrombones d'espadon, un album tout aussi bizarre que son titre. Attend presque hurle plutôt que chante ; les instruments traditionnels sont remplacés par une ménagerie d'accordéons, de cornemuses et de marimbas. Ce qui ne veut pas dire qu’il jette complètement par la fenêtre son don pour la chanson – « In the Neighbourhood », par exemple, est d’une beauté bourrue – mais il se présente sous des formes nouvelles et passionnantes.

Paul Simon –Graceland(1986)

Gracelandest un album de son époque en partie à cause des circonstances politiques qui ont entouré sa création. Paul Simon a rompu le boycott culturel du régime de l'apartheid en Afrique du Sud pour se rendre dans le pays et enregistrer avec ses meilleurs musiciens noirs. Le résultat fut un album qui se vendit à des millions d’exemplaires et fit découvrir des sonorités internationales au public occidental. Même si la rupture du boycott de Simon a été, et est toujours, controversée, il est difficile de contester la magie de la musique elle-même : des titres comme « I Know What I Know » et « You Can Call Me Al » sont tout à fait contagieux tout en se montrant une composition intelligente et pleine d'esprit.

De La Âme –3 pieds de haut et en hausse(1989)

Le rap des années 1980 n’était pas uniquement gangsta ou politique. Le dessin animé fleurit en couverture de De La Soul's3 pieds de haut et en hausseparle du concept hippie du trio de « l'ère DAISY » – en gros, des raps drôles, réfléchis et psychédéliques, parfois à la fois. La production de Prince Paul, qui a rempli l'album avec des échantillons de Steely Dan, Johnny Cash et bien d'autres, a complété le spectacle. Cet album décalé est devenu le modèle du rap « conscient », voire de tout hip-hop qui s’écarte des normes. Et elle tient toujours la route aujourd’hui, avec des morceaux entraînants comme « Me Myself and I » et « Say No Go », tandis que « Eye Know » reste probablement la chanson d’amour la plus charmante du hip-hop.

Laurie Anderson –Grande science(1982)

Laurie Anderson était, et est toujours, plus une artiste qu'une musicienne. Mais en plus d'avoir organisé des expositions en galerie, elle a eu un rôle secondaire productif en sortant des albums, notammentGrande science, ses débuts en 1982. Cela est venu après que le premier single, « O Superman », ait atteint la deuxième place du classement des singles britanniques – ce qui, pour une chanson expérimentale de huit minutes composée principalement de boucles vocales, était assez impressionnant. L'album lui-même a un esprit avant-gardiste similaire, avec des chants, des chants parlés et des synthétiseurs s'avançant contre des trombones et des bassons. Les traitements vocaux d'Anderson ont montré la voie à suivre pour que les mêmes techniques deviennent omniprésentes dans la pop des décennies plus tard.

Les Beastie Boys –Paul’s Boutique(1989)

En 1989, et après un seul album, les Beastie Boys risquaient d'être rejetés comme des frat boy, des merveilles du hip hop. Puis vintPaul’s Boutique,l'album qui les a vu se réinventer et livrer un chef-d'œuvre qui a montré qu'ils étaient de vraies affaires - et a fait passer l'art de l'échantillonnage à un niveau supérieur. Produit par les Dust Brothers, l'album contient un total de 105 chansons différentes échantillonnées (dont 24 échantillons individuels sur le seul dernier morceau) - reprenant tout, deà James Brown, àet Les Ramones. Cela aurait pu être un désastre, mais tout s'est parfaitement déroulé, avec certaines des rimes les plus fortes jamais produites par Mike D, MCA et Ad-Rock. Le disque a non seulement jeté les bases de leur carrière, mais a également contribué à tracer le chemin de nombreux artistes à venir.

Janet Jackson –Contrôle(1986)

Le son de trouver votre voix n’a jamais été aussi urgent, direct et frais. Le titre dit tout : c'était la déclaration d'indépendance de Janet Jackson. Après deux albums et seulement 19 ans, elle a décidé de licencier son père en tant que manager et a fait équipe avec les collaborateurs de Prince, Jimmy Jam et Terry Lewis. Ils ont créé des rythmes cinétiques, industriels et agressifs pour soutenir les déclarations d'indépendance de Janet alors qu'elle remettait le monde à l'ordre – il suffit d'écouter le crunch de « Nasty » et le funk de « What Have You Done For Me Lately » pour comprendre à quel point c'est indéniable. tout s'est senti. Cela a faitContrôleun record historique, en avance sur son temps, qui parvient encore aujourd'hui à chevaucher à la fois le passé et le futur.

Les Smith –La reine est morte(1986)

Oubliez ce qui arriverait plus tard,La reine est morteLes Smiths sont-ils aussi bons que Morrissey l'a toujours cru. C'est à ce moment-là que tout s'est cristallisé : ses paroles les plus habilement poétiques et les plus dévastatrices et douloureusement émouvantes (il suffit d'écouter à nouveau « I Know It's Over » maintenant pour en avoir la preuve) et la guitare effervescente de Johnny Marr. Malgré tout le bruit de leur son, la chanson titre était la plus dure et la plus belliqueuse qu'ils aient jamais pu être, tandis que « There Is A Light Never Goes Out » reste joyeusement mélancolique comme seuls les Smith pourraient l'être. Il reste un témoignage durable de l'Angleterre des années 80.

Usine Kraft –Monde informatique(1981)

Sorti au début des années 1980, alors que le World Wide Web n'était même pas un clin d'œil aux yeux de Tim Berners-Lee,Monde informatique- qui dessinait l'avenir prophétique d'un monde informatique - était un album visionnaire. Il prévoyait non seulement les changements musicaux et culturels des années à venir, mais il contribuait également à ouvrir la voie à l’électro et au hip-hop ; qu'il s'agisse de la synth-pop des années 80 ou des innovations techno de Derrick May. Il sera échantillonné partout, notamment sur « Planet Rock » d'Afrika Bambaataa et Soulsonic Force (qui a repris « Numbers » d'ici aux côtés de « Trans-Europe Express »), consolidant ainsi la place du groupe allemand dans l'histoire du hip-hop. Mais ce n’était pas seulement une prophétie technologique : les chansons ici se suffisent à elles-mêmes : remplies de mélodies de synthé cristallines et de grooves disco à la Moroder. C'est ici que l'avenir a commencé.

La jeunesse sonique –Nation rêveuse(1988)

Il est difficile d'exagérerNation rêveuseC'est vraiment important. C'est un disque qui a marqué une nouvelle ère pour le rock alternatif, mais, plus que cela, il a contribué à façonner la notion de ce que signifiait le rock indépendant américain. C’est parce qu’il a pris tous les brins disparates – rock universitaire, punk hardcore, avant-garde – et les a assemblés dans un opus magnum de double album.

Les trois auteurs-compositeurs du groupe – Thurston Moore, Kim Gordon et Lee Ranaldo – étaient ici à leur apogée, et bien sûr il y a « Teen Age Riot », la chanson la plus pop de leur arsenal et celle qui appelait « J Mascis for President ». L'influence de l'album était si vaste que des genres entiers en sont issus. Kurt Cobain a déclaré que c'était l'un de ses albums préférés de tous les temps et Dave Grohl a déclaré que lorsqu'il a écrit "Everlong", il était tellement paranoïaque qu'il avait arraché "Teen Age Riot", il a dû vérifier auprès de Moore et Gordon pour voir si tout allait bien.

RNF –Tout droit sorti de Compton(1988)

RNF etTout droit sorti de Comptona changé le hip-hop pour toujours. « Vous êtes maintenant sur le point de constater la force du savoir de la rue » commence-t-il et refuse désormais de faire des prisonniers. S'ouvrant avec "Straight Outta Compton", "Fuck tha Police" et "Gangsta Gangsta", c'était un premier disque impitoyable et provocant ; un poids lourd, son impact s'est répercuté sur la culture pop et la politique. Leurs chansons étaient des portraits saisissants de la violence, de la brutalité et du racisme vécus par l’Amérique noire et la façon dont ils l’ont fait était révolutionnaire. Appuyez sur play sur « Fuck tha Police » et vous entendrez comment ses protestations contre la brutalité et le profilage racial auraient facilement pu être publiées aujourd'hui.

NWA n’a peut-être pas inventé le gangsta rap mais Eazy-E, Dr Dre, Ice Cube et MC Ren ont remodelé le hip-hop à leur image et cette influence se fait encore sentir aujourd’hui. Il est à la fois approprié et quelque peu hilarant que plus de 30 ans plus tard, le groupe qui s'est attaqué à l'État soit désormais reconnu par la Bibliothèque du Congrès.

Madone –Comme une prière(1989)

Avec son quatrième album studio et au sommet de sa gloire. Madonna a redéfini ce que signifie être à nouveau une pop star. Impétueux, audacieux et provocateur,Comme une prièremêlant gospel, funk, soul et pop, tout en posant des questions sur la religion, la sexualité et l'égalité des sexes.

La chanson titre a peut-être fait la une des journaux pour sa vidéo de croix en feu et d'images sexualisées de saints catholiques (ce qui a suffisamment énervé Pepsi pour qu'elle la laisse tomber comme sponsor). Mais c'était aussi son disque le plus profondément personnel : « Till Death Do Us Part » et « Love Song » co-écrit par Prince sont des récits sans faille de son divorce avec Sean Penn tandis que « Oh Father » la voyait gérer sa relation avec elle. père. Bien sûr, il y avait aussi les moments pop parfaits de « Express Yourself » et « Cherish » – et le changement clé dans « Like a Prayer » reste l’un des moments les plus euphoriques de la pop.

Garçons de l'animalerie -En fait(1987)

L'expression « pop socialement consciente » n'a jamais l'air très excitante, mais entre les mains de Neil Tennant et Chris Lowe, elle est en fait passionnante. Leur deuxième album studio a vu les Pet Shop Boys s'attaquer avec élégance aux grands problèmes des années 80. La prestation impassible de Tennant se heurte à de gros synthés pop alors qu'il démonte les contradictions entre le fait d'être catholique et gay sur "It's A Sin", explore adroitement et magnifiquement la crise du sida sur "It Couldn't Happen Here" et sur le génial "What Have I Done To Deserve This", avec Dusty Springfield, il se concentre sur l'avidité financière de Thatcher et Reagan époque. Le résultat fut quatre singles dans le Top 10 britannique, 4 millions d'albums vendus et le début de la « phase impériale » du groupe, ironiquement un concept inventé par Tennant lui-même. Clever n’a jamais été aussi amusant.

Le remède –Désintégration(1989)

The Cure a été beaucoup de choses au cours de leur carrière : mais le double album tentaculaireDésintégrationfait un travail aussi bon que n'importe quel autre en réunissant toutes ces facettes et complexités sur un seul disque. Cela en a également fait des superstars et les plus improbables des remplisseurs de stade.

Pourtant, l'album a failli ne pas voir le jour : Robert Smith avait traversé une bataille turbulente de 12 mois contre la dépression et avait également licencié le co-fondateur du groupe, Lol Tolhurst. On comprend donc que, sur le plan sonore, Disintegration ait vu le groupe revenir principalement à la version intensément sombre de The Cure : « Prayers For Rain » et « Closedown » étaient alourdis par une lourdeur écrasante. Mais, comme sur leur plus grande œuvre, la lumière du soleil perce les nuages ​​et l'album présente certains des morceaux les plus beaux de The Cure : « Pictures Of You », « Lullaby » et « Lovesong » étaient aussi directs et joyeusement touchants que le groupe et Smith n'a jamais sonné.

Ennemi public –Il faut une nation de millions de personnes(1988)

Public Enemy et son équipe de production, la Bomb Squad, étaient révolutionnaires – etIl faut une nation de millions de personnes» était leur appel aux armes. À le réécouter maintenant, c'est un rappel saisissant de l'impact qu'un album hip-hop peut avoir. Leur deuxième album se voulait l'équivalent hip-hop duQue se passe-t-il, un ensemble de chansons puissantes et incontournables qui racontent le sort des Noirs américains. Ils se sont donc attaqués à tout, du racisme systémique sur « Don't Believe the Hype » à la surveillance de l'État sur « Louder Than a Bomb » et la juste colère de Chuck D s'est opposée à des échantillons de Queen, Slayer, James Brown et Malcolm X. L'influence du disque se répercute encore aujourd’hui – mais personne n’a réussi à le faire comme Public Enemy l’a fait.

Nouvelle commande –Pouvoir, corruption et mensonges(1983)

Lorsque le deuxième disque de New Order est sorti en 1983, l'ombre de la mort de Ian Curtis planait encore sur le groupe. Mais quoiPouvoir, corruption et mensongesl'a fait avec brio était de les séparer de leur passé tout en reconnaissant ce qui s'était passé auparavant. C'était sombre mais optimiste : remodeler le passé du groupe et le transformer en quelque chose d'espérant.

C’était un nouveau départ et ils fusionnaient le post-punk et le disco d’une manière qui sonnait nouvelle. « L'âge du consentement » aurait pu être publié la semaine dernière. Et ils ont tout fait sans l'aide du single 12'' le plus vendu de tous les temps, « Blue Monday », sorti deux mois avant l'album mais qui n'était pas inclus. L'album a défini le modèle de la façon dont le groupe allait évoluer mais, plus que cela, il a été un tournant dans la musique électronique britannique et son écho peut encore être entendu aujourd'hui.

Kate Bush –Chiens d'amour(1985)

En juillet 1985, unNMEa publié un article demandant où Bush avait disparu. Ils n'avaient pas à s'inquiéter : en septembre, elle avait libéréChiens d'amour, le chef-d'œuvre intemporel de Bush sur le pouvoir de l'imagination, et qui a cimenté son génie. Pour y parvenir, Bush avait construit un studio de 24 pistes dans une grange derrière la maison familiale : cela l'a non seulement aidée à avoir le contrôle créatif dont elle rêvait, mais lui a également permis de se démarquer complètement de tout ce qui se passait à l'époque.

C'est le disque où elle est passée du statut de génie excentrique à celui d'auteur magistral d'avant-garde. La première face avait tous les succès (y compris « Cloudbusting », la chanson titre et « Running Up That Hill »), mais c'est la face deux (The Ninth Wave) qui a montré son talent singulier ; une suite de sept chansons présentée comme les pensées intérieures d'une femme alors qu'elle flotte à la dérive sur la mer. Bien sûr, c’était un album tellement en avance sur son temps que «» n’atteindrait le numéro un qu’en 2022 – 37 ans après sa sortie originale.

Lutins –Doolittle(1989)

Doolittle est l'album qui capture vraiment le talent unique des Pixies pour exploiter l'énergie enragée du groupe (qui semblait toujours sur le point de s'effondrer sur lui-même) et leurs instincts mélodiques. Avec les cris viscéraux de Black Francis sur le fait de « trancher les globes oculaires » (avec des références au surréalisme, à la torture et à la mort), c'était le groupe qui perfectionnait sa formule désormais fort-silencieux-fort, un son caractéristique qui a façonné le rock des années 90 ( Kurt Cobain a déclaré que « Smells Like Teen Spirit » était sa tentative d'arnaquer les Pixies).

Mais ce qui fait vraiment la différence, c'est qu'il y avait aussi une douceur au milieu des hurlements sauvages : Gil Norton a été recruté pour créer un disque avec plus « d'attrait commercial » que le précédent Surfer Rosa dirigé par Steve Albini et cela signifiait quatre Beatles-esque. de minuscules chansons pop (« Here Comes Your Man ») étaient assises à côté de ces cris frénétiques. C'était le couronnement du groupe.

Têtes parlantes –Restez dans la Lumière(1980)

"Nous n'avons pas tout à fait bien compris", a déclaré David Byrne à propos deRestez dans la lumière's tente de tisser ensemble funk, disco et rythmes africains. "Mais en manquant, nous nous sommes retrouvés avec quelque chose de nouveau." L’album marque certainement le début d’une nouvelle vision pour Talking Heads. C'était ambitieux, amusant et technicolor – à la fois une capsule temporelle parfaite du centre-ville de New York vers 1980 et des années en avance sur son temps.

Inspiré par Fela Kuti et dirigé par Brian Eno, le groupe a troqué ses guitares fines et dentelées contre des grooves funk sur lesquels on pouvait danser. Il y avait des cuivres, des touches, des éléments de post-punk, de disco et de funk, le tout sur la bande sonore de la performance et des paroles de plus en plus théâtrales de Byrne qui englobaient tout, du Watergate aux assauts du consumérisme. Le résultat a été – euh – un record unique dans une vie (je suis vraiment désolé).

Prince –Pluie violette(1984)

Purple Rain est l'album qui a vu Prince devenir stratosphérique : l'album n'est pas seulement son chef-d'œuvre mais le moment où il est devenu une superstar mondiale et un phénomène de la culture pop. La perfection demande beaucoup de travail et il a passé jusqu'à 24 heures d'affilée en studio et en répétitions avec son nouveau groupe, The Revolution. Mais bon sang, les chansons : ces morceaux étaient bizarres et grand écran ; nulle part on n'a vu avec autant d'éclat son ambition et sa confiance mariées à sa singulière étrangeté.

Le résultat était un album qui passait de l'instantané à l'expérimental puis à l'épopée : il y avait la perfection ultra-pop de « When Doves Cry », « I Could Die 4 U », la pure crasse de « Darling Nikki », (un chanson qui a presque à elle seule conduit au lancement d'autocollants « avertissement parental ») et elle s'est terminée par la chanson titre intemporelle. Selon les mots de Questlove : « Et puis vintPluie violette, et le monde a changé.